Horas de Verão

Título original: L'heure d'été
País: França
Ano: 2008
Gênero: Drama
Duração: 103 min
Direção: Olivier Assayas
Elenco: Juliette Binoche, Charles Berling, Jérémie Renier, Edith Scob, Dominique Reymond, Vallérie Boneton e Emile Berling.

Sinopse: as distintas trajetórias de dois irmãos e uma irmã de quarenta e poucos anos se chocam quando sua mãe – que preservava a obra de seu tio, o excepcional pintor do século XIX, Paul Berthier – morre repentinamente. Os filhos são levados ao confronto de suas diferenças. Adrienne (Binoche), uma bem sucedida designer em Nova York; Frédéric (Charles Berling), economista e professor universitário em Paris; e Jérémie (Jérémie Renier), um dinâmico empresário que vive na China, são apresentados às texturas e lembranças do final da infância, às memórias partilhadas, criando uma visão única do futuro.

Crítica: como já é de praxe, o cinema francês gosta de falar de relações familiares e, em “As Horas de Verão” não é diferente.
A trama gira em torno de uma herança material e emocional. É ela que unirá, novamente, os irmãos que serão obrigados a compartilhar algumas verdades.
As interpretações são naturais, mas o roteiro perde um pouco o ritmo, com a falta de um conteúdo mais profundo.
Nem os diálogos inteligentes e fortes seguram o filme até o final.

Avaliação: **

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Bem-vindo

Título original: Wellcome
País: França
Ano: 2009
Gênero: Drama
Duração: 110 min
Direção: Philippe Lioret
Elenco: Vincent Lindon, Firat Ayverdi, Audrey Dana, Derya Ayverdi, Thierry Godard, Selim Akgül, Firat Celik, Murat Subasi, Olivier Rabourdin, Yannick Renier, Mouafaq Rushdie, Behi Djanati Ataï e Patrick Ligardes.

Sinopse: aborda as políticas de imigração europeias por meio da história de um garoto curdo que deixa o Iraque e parte em uma jornada para reencontrar a namorada na Inglaterra. Em Calais, impedido de continuar, o rapaz decide cruzar o Canal da Mancha a nado. Simon, um professor de natação da cidade, se coloca em risco para treinar secretamente o jovem refugiado, com o intuito de impressionar e reconquistar sua mulher.
Crítica: mostra com muita sensibilidade a dureza de ser imigrante ilegal em outro país.
O filme aborda também a questão da xenofobia, que vem ganhando muita força nos últimos anos. A figura do fiscal de imigração, duro porque o trabalho exige mas sensível porque ele é humano, é um importante fio condutor para explorar esse lado da narrativa.
Nesse sentido a direção é acertada ao questionar por meio dos dramas e dos sofrimentos humanos a rigidez de sistemas legislativos sisudos e retrógrados, como os que impedem a imigração (e aí poderíamos incluir facilmente as questões jurídicas que envolvem a homossexualidade).
"Bem-Vindo" ganha mais importância e relevância quando fala da vontade humana de superar desafios e mudar ou alterar a realidade, seja a própria, a de um país ou a do mundo. E isso, como o filme deixa claro, pode ser feito de muitas maneiras e por muitas motivações.
Apesar de ser um drama, tem diálogos bem humorados e inteligentes.
Um ótimo filme, com uma mensagem relevante!
Avaliação: ***

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Tinha Que Ser Você

Título original: Last Chance Harvey
País: EUA
Ano: 2008
Gênero: Drama, romance
Duração: 93 min
Direção: Joel Hopkins
Elenco: Dustin Hoffman, Emma Thompson, Eileen Atkins, Kathy Baker, Liane Balaban, James Brolin, Richard Schiff, Tim Howar, Wendy Mae Brown, Bronagh Gallagher, Jeremy Sheffield, Daniel Lapaine, Patrick Baladi, Adam James e Michael Landes.

Sinopse: Harvey Shine (Dustin Hoffman) está em Londres por causa do casamento de sua filha. É quando o inesperado acontece e ele conhece Kate Walker (Emma Thompson), uma inglesa que desperta no protagonista sentimentos há muito tempo esquecidos.
Crítica: um belo romance maduro, para um público maduro, interpretado por um elenco maduro. Tanto que em determinados momentos chega a lembrar o clássico “Tarde Demais para Esquecer”, talvez como um tipo de homenagem ao antigo jeito de se fazer cinemão romântico. Acertos de relação entre pai e filha também fazem parte da história.
Mas contando com dois dos maiores atores em atividade, Dustin Hoffman e Emma Thompson, o romance poderia ter sido ainda mais memorável. Quando a dupla está em cena, disparando seus diálogos, o filme flui maravilhosamente.
Com interferências demais, de cenas desnecessárias, quebra-se um pouco a magia.
Mesmo assim, não desvaloriza a trama. Comovente, sensível e intensa, e sem pressa.
Avaliação: ***

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Inimigos Públicos

Título original: Public Enemies
País: EUA
Ano: 2009
Gênero: Policial
Duração: 140 min
Direção: Michael Mann
Elenco: Johnny Depp, Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff, Christian Bale, Stephen Graham, Jason Clarke, Stephen Lang, Giovanni Ribisi, Emilie de Ravin, David Wenham, Channing Tatum, James Russo e Carey Mulligan.

Sinopse: durante a Depressão (período após a quebra da bolsa norte-americana em 1929), o governo americano tenta deter os assaltantes de banco John Dillinger (Johnny Depp), Baby Face Nelson (Stephen Graham) e Pretty Boy Floyd (Channing Tatum), transformando o FBI na primeira agência federal de polícia do país.
Crítica: o longa segue o lendário John Dillinger em seus suntuosos assaltos a bancos, que marcaram o início da década de 30 nos EUA. Para tentar pegá-lo, a polícia conta com a obstinação do agente Melvin Purvis (Cristian Bale) e o restante da polícia que é constantemente humilhada por Dillinger e seu bando.
O trabalho técnico recria, perfeitamente, o ambiente pós-crise de 1929: carros, ruas e pessoas em trajes típicos. Nem os pequenos detalhes escaparam do perfeccionismo: fitas de escuta telefônica, rádios, chapéus e até a estrutura física do escritório de investigação.
As atuações são excelentes. Johnny Depp é muito eficiente, criando a todo momento um Dillinger ao mesmo tempo obcecado e sensível, ou rápido e cirúrgico num assalto a banco, mas sem levar um centavo dos clientes. A dinâmica de seus roubos, aliás, forma um pilar importante: de uma simplicidade quase risível, em nenhum momento são usados aparatos especiais para a realização, e sim a capacidade intelectual e o poder armamentício da gangue de Dillinger. É essa base de sustentação que é levada para o resto da trama: o criminoso é, mais do que tudo, um bon vivant do crime, um homem que preza pela beleza da vida e de seu amor, Billie (Marion Cotillard).
Claro que essa romantização de um criminoso muita vezes implacável é devido ao fato dele brincar com a polícia. E é aqui que entra Bale, numa interpretação correta de um agente ciente de seu objetivo: pegar a todo custo o bandido.
As cenas de ação e tiroterio, o suspense em algumas cenas e a cena final são de tirar o fôlego do espectador.
Enfim, “Inimigos Públicos” segue um caminho instigante até o fim, recriando um universo real e interessante ao constatar, por exemplo, que bandidos transitavam facilmente entre a alta sociedade sem que pudessem ser reconhecidos.
Avaliação: ****

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Nossa Vida Sem Grace

Título original: Grace Is Gone
País: EUA
Ano: 2007
Gênero: Drama
Duração: 85 min
Direção: James C. Strouse
Elenco: John Cusack, Emily Churchill, Rebecca Spence, Jennifer Tyler, Susan Messing, Shélan O'Keefe, Gracie Bednarczyk, Doug Dearth.

Sinopse: John Cusack interpreta um pai que perde o rumo na vida quando sua mulher é morta em serviço no Iraque. Sem forças para contar o ocorrido para as filhas, ele as leva em uma viagem até um parque de diversões. Sabendo que a diversão não pode durar pra sempre, ele luta para encontrar as palavras que vão mudar as vidas de suas filhas.
Crítica: o longa demonstra de forma sutil, porém marcante, as consequências que a Guerra do Iraque teve (e ainda tem) nos lares dos familiares dos soldados. Para sair um pouco da rotina, a mãe é quem foi à guerra, ficando o pai responsável por cuidar de duas filhas, uma delas pré-adolescente e a outra ainda na fase infantil. A mãe acaba morrendo no campo de batalha. O pai não sabe como contar para as crianças e lança-se desesperado com elas pelas estradas do país. Surpreendentemente, não é apenas John Cusack que consegue encarnar seu papel com o realismo necessário; ambas as atrizes mirins mantêm o nível dramático exigido.
É agradável acompanhar o trio pelas estradas norte-americanas. Tem aquele sentimento de liberdade, mas o drama também, problemas que insistem em perseguir os personagens, com algo engasgado dentro deles. Os conflitos óbvios acontecem, é claro, sem muitas surpresas. Contudo o trabalho de Strouse foi competente o suficiente para criar textos e situações admiráveis, no sentido de gerar expectativa pelo próximo acontecimento. Não existe um grande momento no filme – talvez apenas o momento em que o pai acaba tendo que contar o destino da mãe às filhas, que foi uma ótima cena. No entanto, a simplicidade e as excelentes interpretações já são motivos suficientes para assistir ao filme que, infelizmente, por tratar de dramas familiares que envolvam morte e que ainda abordem política, não agradam muito os norte-americanos. E olha que o filme enxuto, com apenas 85 minutos, não teve muito tempo para discursos políticos. Vale a pena conferir.
Avaliação: ***

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Honeydripper – do Blues ao Rock

Título original: Honeydripper
País: EUA
Ano: 2007
Gênero: Drama
Duração: 124 min
Direção: John Sayles
Elenco: Danny Glover, Lisa Gay Hamilton, Yaya DaCosta, Charles S. Dutton, Vondie Curtis-Hall, Gary Clark Jr., Mable John, Stacy Keach, Nagee Clay, Absalom Adams, Arthur Lee Williams, Ruben Santiago-Hudson, Davenia McFadden, Daryl Edwards, Sean Patrick Thomas e Eric L. Abrams.

Sinopse: no estado rural do Alabama, em 1950, Tyrone "Pine Top" Purvis é o pianista e dono do bar local. Endividado, teme que seu negócio vá à ruína. Para evitar uma catástrofe, decide contratar um famoso guitarrista de blues chamado Guitar Sam. Porém, será outro músico, dono da mesma vitalidade trazida pela guitarra, que tentará salvar sua pele.

Crítica: o Diretor John Sayles, após 27 anos e 16 filmes, é um cineasta independente. Ele mostra, de uma maneira agradável, como os negros enfrentaram seu cotidiano contra o racismo e a pobreza e, também, como a música, seja na igreja ou a sala, levava alegria e salvação para os negros em um meio tão opressor.
Não há muita preocupação com o visual, e sim mais com os personagens. Danny Glover está ótimo em sua performance.
Às vezes, tem um ritmo lento. Mas, para os amantes do blues e do rock 'n' roll (que começa a surgir naquela época), o filme é uma boa pedida.

Avaliação: ***

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Há Tanto Tempo Que Te Amo

Título original: Il y a Longtemps que Je T'aime
País: França
Ano: 2008
Gênero: Drama
Duração: 115 min
Direção: Philippe Claudel
Elenco: Kristin Scott Thomas, Elsa Zylberstein, Serge Hazanavicius, Laurent Grévill, Frédéric Pierrot, Claire Johnston e Jean-Claude Arnaud.

Sinopse: Juliette (Kristin Scott Thomas) retorna à sua família e à sociedade, após 15 anos de ausência e rejeição. Apesar de uma separação familiar drástica no passado, sua irmã mais nova, Léa (Elsa Zylberstein), decide abrigá-la em sua casa, onde mora com o marido, as duas filhas e o sogro. Aos poucos, a trama revela a aparente amoralidade por trás da tragédia que manteve Juliette afastada por tanto tempo da vida real.
Crítica: direção sensível e personagens de sentimentos represados e muitos segredos, com poucas palavras, são características marcantes do cinema francês. As revelações vêm surgindo aos poucos, aumentando a curiosidade do espectador. As expressões dolorosas da personagem Juliette, que dizem mais que os raros diálogos, são a grande sustentação do filme. Uma história simples, mas bem dirigida. Porém, a causa da prisão da protagonista poderia ter sido algo mais convincente.
Avaliação: ***

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Stella

Título original: Stella
País: França
Ano: 2008
Gênero: Drama
Duração: 103 min
Direção: Sylvie Verheyde
Elenco: Léora Barbara, Melissa Rodriguès, Karole Rocher, Benjamin Biolay, Laëtitia Guerard, Guillaume Depardieu, Johan Libéreau, Jeannick Gravelines e Thierry Neuvic.

Sinopse: Stella é uma garota argentina de 11 anos de idade que acaba de iniciar um novo curso numa escola de Paris. Mas sua vida, mesmo, transcorre dentro de um bar cujos pais exilados são donos. Um refugio para a classe trabalhadora, que cai na bebida, faz apostas, fala de futebol e outras amenidades até o dia amanhecer. Para Stella, a escola é complicada. Mais do que os estudos, o que ela não suporta são as humilhações dos professores e amigos por causa de sua origem. É assim que começam a despertar na garota instintos mais violentos. Mas graças a sua única amiga, também filha de intelectuais argentinos exilados, Stella vai vislumbrar um mundo que não conhece: desde o primeiro amor até os perigos que cercam uma menina prestes a se tornar mulher.
Crítica: as imagens são mostradas brutas ao espectador, sem julgar. Desde a construção do ambiente degradante em que cresce a garotinha, cujos pais são donos de um deplorável bar, e não ligam a mínima para sua formação, a diretora procura não colocar a moral – ou a falta dela – dos integrantes deste pequeno grupo social em primeiro plano, embora obviamente saiba o que o espectador pensa a respeito.
"Não é lugar para se criar uma criança", você pode dizer, mas o fato é que, aos 11 anos, Stella já se habituou a ser diferente – aliás, desde o início da película, quando olha para os amigos da escola nova, ela nos diz, em uma narração em off, que não é uma criança como as outras. Ainda assim, há o processo de sempre: os baques da vida familiar, as dificuldades estudantis e as descobertas da puberdade que aguardam Stella.
Como uma criança típica, Stella vê tudo. A câmera pega os detalhes do bar e os movimentos dos adultos. O relato em primeira pessoa da menina adiciona verbalmente comentários, ora sarcásticos ora encantados, sobre aquilo a que estamos assistindo. Nada é desperdiçado nas cenas para situar o espectador na sua vida.
Acompanhamos, portanto, o choque de valores a partir da sua visão, que, mesmo com o sarcasmo esperto das observações feitas por meio da narração em off, é regida pela inocência e as inúmeras dúvidas que naturalmente surgem durante esses ritos de passagem (no caso, entre infância e adolescência). Assim, quando vemos Stella falar de suas diferenças, nos deparamos com colocações puras, que mesmo soando engraçadas ou irônicas não possuem duplo sentido, apenas refletem seu autoconhecimento ou seus questionamentos a respeito dos temas propostos.
Leóra Bárbara está perfeita no papel, demonstrando ao mesmo tempo esperteza e inocência.
Um filme equilibrado, sensível e belo, sem preconceitos ou opiniões formadas. Um excelente trabalho, que deve agradar a todos! Confira.
Curiosidade: autobiográfico, Stella é o terceiro longa-metragem da atriz e cineasta Sylvie Verheyde, que escreveu o roteiro com base no que viveu em 1977, quando entrou no primeiro ano da escola secundária, o equivalente no Brasil a 5ª série. O longa foi o vencedor do prêmio de melhor roteiro no Festival de Flanders, além de levar dois prêmios especiais no Festival de Veneza. O filme tem a participação de Guillaume Depardieu, filho de Gerard Depardieu, que faleceu precocemente em 2008.
Avaliação: ****

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A Partida

Título original: Okuribito
País: Japão
Ano: 2008
Gênero: Drama
Duração: 130 min
Direção: Yojiro Takita
Elenco: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki, Kimiko Yo e Takashi Sasano.

Sinopse: Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki) tem o sonho de tocar violoncelo profissionalmente. Para tanto se endivida e compra um instrumento, conseguindo emprego em uma orquestra. Contudo, o pequeno público que comparece às apresentações não é suficiente para mantê-la. Sem ter como pagar, ele devolve o instrumento e decide morar, com sua esposa Mika (Ryoko Yoshiyuki), em sua cidade natal. Em busca de emprego, ele se candidata a uma vaga bem remunerada sem saber qual será sua função. Após ser contratado, descobre que será um “nokanshi”, uma espécie de assistente de agente funerário, mestre em lavar e vestir cadáveres. Essa função advém de uma antiga tradição japonesa: deixar o morto limpo, belo e bem tratado para seu último momento, função antes exercida pelas famílias dos mortos, porém já meio esquecida e agora feita por profissionais. De início, Daigo tem vergonha da situação e esconde o novo trabalho da esposa, mas o aceita devido ao dinheiro. Aos poucos ele passa a compreender melhor sua tarefa e a dignidade nela contida.
Crítica: ‘A Partida’ é um drama bem realizado, que consegue levantar pontos e questões interessantes e sensíveis de forma diferenciada, além de mostrar um panorama interessante sobre um ato cultural japonês, cheio de beleza e poesia, e consistir em uma análise sobre a morte, mas também sobre a vida e o passado.
Afinal, a mudança na vida do protagonista engloba vários aspectos. É uma volta para a cidade natal, e ao relacionamento mal resolvido com o pai. Um retorno às origens, já que num país moderno como o Japão, ele passa a lidar com uma antiga tradição nipônica. Mas é também uma época de novidades, de refletir sobre sua vida, de se adaptar ao novo trabalho e descobrir a importância da profissão, que “limpa” o morto e dá-lhe a beleza que era sua em vida, que deixa-o da melhor forma possível para que sua partida seja digna, para seu último adeus à família. Essas cenas são dirigidas com bastante sensibilidade. Assim, o filme analisa a morte como algo plenamente corporal e o trabalho de “nokanshi” como um mero cuidado final com o corpo. Contudo, as pessoas de fora veem essa profissão como um ofício vergonhoso e indigno, o que acarreta uma visão negativa por parte destes em relação ao contato entre mortos e vivos, assim como uma negação de uma antiga tradição cultural.
Tudo isso é conduzido pelo diretor de forma cuidadosa, sensata e firme. A direção aposta em um ritmo lento, porém nunca arrastado ou irreal. Algumas partes são carregadas de melodrama, mas em geral o resultado é equilibrado. O diretor coordena bem seu elenco. A fotografia, em tons pastéis, e a iluminação farta funcionam bem dentro da proposta da história.
Avaliação: ***

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Rumba

Título original: Rumba
País: França
Ano: 2008
Gênero: Comédia
Duração: 78 min
Direção: Dominique Abel, Fiona Gordon e Bruno Romy
Elenco: Dominique Abel, Fiona Gordon, Philippe Martz, Bruno Romy e Clément Morel.

Sinopse: conta a história de um casal de professores de uma escola rural francesa que tem uma paixão em comum: dança latina. Mas após uma noite de competição de dança, um acidente de carro muda por completo suas vidas.
professores de uma escola rural, o casal Fiona (Fiona Gordon) e Dom (Dominique Abel) tem uma paixão em comum: danças latinas. Uma noite, após uma competição vitoriosa de dança, eles sofrem um acidente de carro e veem suas vidas mudarem completamente.

Crítica: Fiona Gordon e Dominique Abel, que dão os próprios nomes aos personagens, estão muito bem no papel.
O filme é ousado e irreverente, sem medo de abordar um tema como a deficiência física. Brinca com isso, mas de forma leve e descontraída.
O problema é que a história não tem muito enredo e, às vezes, acaba por ficar cansativa. Infelizmente, as partes mais engraçadas são poucas.
De qualquer forma, a comédia nada convencional, com influências do cinema mudo e outras muito cults, traz uma mensagem bem positiva. Além disso, tem uma boa trilha sonora.

Avaliação: ***

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Jean Charles

Título original: Jean Charles
País: Brasil/Inglaterra
Ano: 2009
Gênero: Drama
Duração: 90 min
Direção: Henrique Goldman
Elenco: Selton Mello, Vanessa Giácomo, Luís Miranda, Patricia Armani, Maurício Varlotta, Daniel de Oliveira, Marcelo Soares, Rogério Dionísio e Sidney Magal.

Sinopse: conta a história de Jean Charles de Menezes, o eletricista mineiro morto com sete tiros na cabeça pela polícia britânica em 2005, na estação de metrô de Stockwell, no sul de Londres, confundido com um terrorista. Jean é bem comunicativo, conhece muita gente e envolve-se em diversas situações. Ele ajuda sua prima Vivian, recém-chegada ao país, a arrumar um emprego. Lá ele já vive com dois amigos.
Crítica: com excelente roteiro, produção e direção, o longa retrata com a maior fidelidade possível a vida de Jean Charles, sem tentar ocultar nada ou transformá-lo em um herói ou em um bom moço. A fita atinge o objetivo: mostrar a injustiça feita com um rapaz inocente, por total despreparo da polícia britânica. Em paralelo, evidencia como brasileiros sobrevivem no exterior e suas dificuldades. O longa acompanha a trajetória do rapaz até pós-morte, quando a família clama por justiça e é indenizada pelo governo daquele país. Selton Mello representa muito bem seu personagem.
Avaliação: ***

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Enquanto Houver Esperança

Título original: La Maison de Nina
País: França
Ano: 2005
Gênero: Drama
Duração: 112 min
Direção: Richard Dembo
Elenco: Agnès Jaoui, Sarah Adler, Katia Lewkowicz e Gaspard Ulliel.

Sinopse: Nina (Agnès Jaoui), diretora de um orfanato no final da Segunda Guerra Mundial, trabalha duro para cuidar e proteger seus filhos. Quando as crianças judias deportadas da Alemanha chegam, o caos se instaura. Nina precisa ir muito além dos limites profissionais para reestabelecer a paz entre suas crianças. Junto, eles descobrem unidade na diversidade, o valor da fé, a coragem para esperar viver novamente depois do despertar da catástrofe e ruína.

Crítica: os dramas de cada família vão sendo expostos ao longo da narrativa, como se fossem capítulos de um livro didático, didático até demais.
Com uns dez, 15 minutos de filme, o oficial americano mais graduado do local chama Nina e mostra para ela filmes feitos nos campos de concentração que foram sendo tomados aos nazistas durante o avanço do exército soviético pela Polônia e a própria Alemanha – Auschwitz, Birkenau, Treblinka. O oficial diz a Nina que o comando das forças armadas não quer que os filmes sejam mostrados a todos os soldados, pois há medo de que, com a exibição de tanta barbárie, eles possam querer se vingar matando os prisioneiros alemães.
É o momento em que Nina compreende que a imensa maioria dos pais das crianças de que ela cuida não voltarão jamais. Numa seqüência que vem logo depois, ela mostra as notícias dos jornais sobre os campos de concentração às crianças.
Tenta-se, com diversas tomadas, mostrar os rostos sofridos com tanta barbárie.
O ritmo cai um pouco e a história perde a força inicial, mas vale a intenção do cineasta parisiense (fez somente 3 filmes até então) em passar uma mensagem de esperança.

Avaliação: ***

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Os Profissionais do Crime

Título original: Le Deuxième souffle
País: França
Ano: 2007
Gênero: Drama, policial, suspense
Duração: 155 min
Direção: Alain Corneau
Elenco: Daniel Auteil, Monica Bellucci, Michel Blanc, Jacques Dutronc, Eric Cantona, Daniel Duval, Gilbert Melki e Nicolas Duvauchelle.

Sinopse: numa fuga espetacular, Gu (Daniel Auteil), um famoso gângster condenado à prisão perpétua, decide deixar a França em companhia da amada Manouche (Monica Bellucci). Seu problema maior é a falta de dinheiro; então, organiza um grande assalto. A polícia francesa que busca capturá-lo, arma uma plano que põe Gu contra seus companheiros de crime. Agora a lealdade e a palavra dele serão postas em xeque, deixando-o somente com o apoio de Manouche. Ambos serão capazes de tudo para refazer os laços com a máfia.

Crítica: é o primeiro filme francês de máfia a que assisti. A trama é muito boa, recheada de suspense e mistério e, o melhor, é bastante inteligente para não cair na mesmice.
A atuação de Auteil é fantástica, assim como a dos demais atores. Algumas cenas menos escuras e um roteiro menos extenso tornariam a obra ainda mais primorosa.
Avaliação: ***

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Cinco Dias sem Nora

Título original: Cinco Días sin Nora

País: México

Ano: 2008

Gênero: Comédia

Duração: 92 min

Direção: Mariana Chenillo

Elenco: Fernando Luján, Enrique Arreola, Ari Brickman, Juan Carlos Colombo, Enrique Cueva, Marina de Tavira, Max Kerlow, Verónica Langer e Martin La Salle.

Sinopse: José descobre que sua ex-esposa, Nora, com quem foi casado por 30 anos, se suicidou, e procura o rabino para tratar do funeral. Este lhe adverte que, caso năo queira enterrá-la imediatamente, só poderá fazę-lo em cinco dias devido ŕs festividades da Páscoa Judaica. José decide entăo esperar para que seu filho possa estar presente. Ao longo dos cinco dias de convivęncia com o corpo, se entrega a reminiscęncias de sua vida com a mulher, e aos poucos descobre pistas de que ela arquitetou meticulosamente um mórbido plano para que ele estivesse ali cuidando do seu funeral.

Crítica: um roteiro notável, com uma mensagem bastante crítica à sociedade em que vivemos, repleta de tabus, preconceitos, rótulos, valores 'considerados' morais e religiosos.

Em diversas situações, é possível nos identificarmos com os personagens em suas atitudes. O protagonista (Fernado Luján) é excepcional.

Tudo na medida certa. Vale a pena conferir.

Avaliação: *** 

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