Boi Neon

País: Brasil/Holanda/Uruguai

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 101 min

Direção: Gabriel Mascaro

Elenco: Juliano Cazarré, Maeve Jinkings, Alyne Santana, Josinaldo Alves, Vinicius de Oliveira e Samya De Lavor.

Sinopse: Iremar (Julliano Cazarré) é um vaqueiro de curral que viaja pelo Nordeste, ao lado de Galega e a pequena Cacá. Por onde passa Iremar recolhe revistas, panos e restos de manequins, já que seu grande sonho é largar tudo para iniciar uma carreira como estilista no Polo de Confecções do Agreste.

Crítica: a nova produção de Gabriel Mascaro (Ventos de Agosto, de 2014) aposta num cinema de arte e agradou nos festivais internacionais em que foi exibido.

Cinema de arte porque realmente o filme apresenta cenas que impressionam como a de uma mulher que dança vestindo uma cabeça de cavalo e usando sapatos que imitam o casco de cavalo, e outras como a de um homem domando e acariciando o animal.

Mas a trama nos apresenta muito mais: um prólogo anunciando um vaqueiro (Iremar) que gosta de moda e que quer se tornar um estilista. Mesmo com uma simples máquina e pouquíssimo material, consegue criar um belo modelito, após algumas tentativas, copiando de uma revista.

A paisagem rústica não deixa o espectador esquecer que o clima é difícil, que as chances de sua vida mudar são escassas. Participam da sua vida Galega (Maeve Jinkings); Cacá (Alyne Santana), que é filha da Galega; e um colega de trabalho, Mário (Josinaldo Alves).

Com calma, o filme retrata o dia a dia deles, a vida na estrada levando o gado para as vaquejadas, até que alguns acontecimentos balançam essa rotina.

Nesse ponto, o enredo perde um pouco a força, mas aposta em cenas fortes de sexo que rompem tabus. São muito bem feitas e parecem, de fato, reais. Tais sequências poderiam fazer parte da trama sem problema algum, mas desde que o foco do vaqueiro que sonha em sair daquele lugar não tivesse sido esquecido. Há um momento que Iremar até incentiva Cacá a sair dali para ir atrás do pai que sumiu.

Outra mostra de rompimento com paradigmas num ambiente totalmente “machista” são o fato de uma mulher dirigir um caminhão e ainda entender de mecânica (a atriz Maeve Jinkings); o próprio Iremar passando roupa ou fazendo o café da manhã; o vaqueiro Júnior (Vinicius de Oliveira) que aparece na segunda metade da trama (Vinicius de Oliveira) alisando o cabelo; e a vendedora de cosméticos Geisi (Samya De Lavor) que toma a iniciativa sobre Iremar.

Como ponto negativo há também os diálogos baixos, em que os personagens falam rapidamente e com sotaque regional. Muitas vezes, não se compreende o que eles dizem (e há expressões interessantíssimas). Uma legenda resolveria isso facilmente – que é um problema corriqueiro na cinematografia brasileira.

Contudo, isso não tira o mérito de um filme diferente e mais humano – qualidades raras nos nossos filmes. A atuação competente de Julliano Cazarré, a fotografia natural bem explorada e a trilha sonora são também aspectos positivos que elevam a obra a um patamar superior.

Avaliação: ***

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Enklava (Enclave)

País: Sérvia/Alemanha

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 95 min

Direção: Goran Radovanovic

Elenco: Filip Subaric, Denis Muric, Nebojsa Glogovac, Anica Dobra e Meto Jovanovski.

Sinopse: em meio aos conflitos entre sérvios e albaneses, Nenad (Filip Subaric) é um garoto de 10 anos que mora um enclave distrito em Kosovo com o pai e o avô doente. Rodeados por albaneses, os três e um padre são os únicos sérvios do local. Levado de carro blindado para a escola, Nenad é o único aluno do local e sente falta de brincar com outras crianças. De vez em quando, ele vê pela janela dois garotos albaneses da sua idade e um menino de 13 anos que trabalha como pastor e odeia os sérvios, pois eles mataram seu pai na guerra.

Crítica: o conflito do Kosovo (de 1998 a 1999), entre forças de segurança sérvias e Iugoslávia e o Exército de Libertação do Kosovo (ELK) – uma guerrilha formada por integrantes de origem étnica albanesa que lutava pela independência da província – deixou muitas marcas.

A Força do Kosovo (KFOR) é uma força de paz internacional liderada pela OTAN e responsável pelo estabelecimento de um ambiente seguro na região após o conflito.

O filme retrata essa situação sutilmente, com um tanque da KFOR levando o protagonista Nenad (Filip Subaric) para a escola, onde ele é o único aluno. Na verdade, na área restaram somente mais 3 sérvios, além dele: o pai, o avô e o padre, que é seu melhor amigo. As poucas crianças da sua idade que ali vivem são muçulmanas (e não católicas como ele) e albanesas.

A dureza da guerra na trama tem como foco Nenad, um menino bom que se preocupa com seu avô à beira da morte, que quer continuar estudando (mas sua professora deixa a escola para ir para Belgrado), porém de olhar triste.

Ao se envolver com 3 meninos albaneses, ele quase morre e seu pai decide, então, mudar-se para a capital, Belgrado. 

A hostilidade na região não permitia uma vida segura e é preciso deixar tudo para trás e recomeçar. O pai rejeita um emprego que lhe é oferecido como policial por não querer fazer parte de um mundo em que não há justiça, mas sim discriminação.

Um belo filme com uma mensagem realista sobre os horrores da guerra e uma atuação confiante de Subaric, que representa todas as crianças inocentes que pagam por uma guerra alimentada pelas tensões étnicas e interesses políticos e econômicos.

Avaliação: ***

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Trumbo, Lista Negra (Trumbo)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Drama, biografia

Duração: 125 min

Direção: Jay Roach

Elenco: Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, Elle Fanning, Michael Stuhlbarg, John Getz e John Goodman.

Sinopse: o roteirista Dalton Trumbo (Bryan Cranston) tem uma história singular em Hollywood: apesar de ter escrito algumas das histórias de maior sucesso da época, como A Princesa e o Plebeu (1953), ele se recusou a cooperar com o Comitê de Atividades Antiamericanas do congresso e acabou preso e proibido de trabalhar. Mesmo quando saiu da prisão, Trumbo demorou anos para vencer o boicote do governo, sofrendo com uma série de problemas envolvendo familiares e amigos próximos.

Crítica: questão de princípios. Por isso se guiou Dalton Trumbo, um admirável exemplo de resistência moral à intolerância macarthista que manchou a história americana.

Para encarnar o protagonista da trama, o diretor escolheu Bryan Cranston, famoso internacionalmente como o químico Walter White durante as seis temporadas do seriado “Breaking Bad” (2008-2013).

Inspirado na biografia que Bruce Cook escreveu em 1977, o longa apresenta Trumbo na época em que ele ainda tinha prestígio e era um dos roteiristas mais bem pagos de Los Angeles. Vivia em uma ampla casa com a mulher, Cleo (Diane Lane) e os filhos (destaque para o papel de Elle Fanning, a filha politizada e parecida com o pai), frequentava as melhores festas e os melhores restaurantes. Tudo mudou quando ele se recusou a testemunhar perante o comitê de McCarthy e passou a fazer parte dos “Dez de Hollywood”, grupo de produtores, diretores e roteiristas que se negaram a responder a perguntas sobre suas atividades políticas e sindicais, e por isso foram processados, presos e banidos da indústria. Somente um deles, Edward Dmytryk (Michael Stuhlbarg) admitiu ser comunista, já quando estava preso. Cooperou com o comitê e entregou uma lista com 26 nomes.

A prisão, em 1950, foi apenas o começo. Ao ser libertado, para conseguir o sustento, Trumbo teve que driblar o embargo da indústria, criando um grupo com alguns colegas, uma espécie de mercado negro de roteiristas. Eles escreviam clandestinamente, já que não podiam assinar suas obras, recebendo uma remuneração irrisória. Usavam pseudônimos ou emprestavam nomes de amigos roteiristas que não estavam na lista. Ele era também perseguido por colunistas como Hedda Hopper (a excelente Helen Mirren).

Filmes como “A Princesa e o Plebeu” (1954) e “Arenas Sangrentas” (1957) venceram o Oscar de Melhor História Original, mas, como Trumbo estava no anonimato, os prêmios foram recebidos pelos roteiristas fictícios.

Só em 1960, quando o cineasta Otto Preminger e o ator Kirk Douglas enfrentaram a intransigência dos estúdios ao reconhecer publicamente que Trumbo também tinha escrito “Espartacus” e “Exodus”, dois sucessos do cinema, foi que o roteirista voltou a assinar seus trabalhos. O fato de o então presidente John Kennedy ter assistido a “Spartacus” e o ter recomendado ajudou a acabar com a represália.

Foi um momento difícil da história americana, com muita injustiça, perseguições e hipocrisia.

O filme faz um extraordinário retrato da época e de Dalton Trumbo, uma mente criativa e incansável quando se tratava de escrever, com uma atuação sublime de Bryan Cranston.

Avaliação: ****

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Body (Cialo)

País: Polônia

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 92 min

Direção: Malgorzata Szumowska

Elenco: Janusz Gajos, Maja Ostaszewska e Justyna Suwala.

Sinopse: um cético investigador de polícia (Janusz Gajos) e sua filha Olga (Justyna Suwala), que sofre de bulimia, lidam, cada um à sua maneira, com a morte de um ente querido. Quando eles entram em contato com a traumatizada terapeuta Anna (Maja Ostaszewska), são forçados a mudar suas opiniões sobre vida e morte.

Crítica: Janusz, um competente perito criminal, examina o corpo de um homem que se enforcou, quando o impensado acontece (fica o mistério para o espectador). Na TV, ele e a filha Justyna assistem a uma discussão sobre o fato de Jesus ser judeu e, mais tarde, enquanto Janusz exercita seu lado glutão com um suculento frango, a jovem fita sem interesse os legumes de seu prato. Ela é anoréxica/bulímica.

A introdução não dá muitos sinais de que caminho a trama irá seguir, o que é bastante acertado para fisgar a atenção do espectador.

Vencedor do Urso de Prata de melhor direção no último Festival de Berlim, “Body” percorreu diversos festivais pelo mundo e chega ao cinema para se somar a “Elles”, outra produção de 2001 da cineasta polonesa.

Além de Janusz (Janusz Gajos), que carrega as frustrações e a melancolia de um viúvo que já passou da meia idade, e a conformidade de ver tantas mortes no seu dia a dia de perito, o filme destaca Anna (Maja Ostaszewska), uma terapeuta espírita com métodos de recuperação questionados por uma sociedade predominantemente católica (é possível notar uma fotografia de Chico Xavier emoldurada em seu quarto, sendo o Brasil também citado em um momento do filme) e a jovem anorexa Olga (Justyna Suwala), filha de Janusz e paciente de Anna.

Essa conexão é muito bem construída e sem nenhum posicionamento ou julgamento. São apenas retratadas situações e cada um escolherá uma solução para o seu bem estar, de forma simples e natural. Não se prega ou embute nada na trama. E o humor é uma marca presente no estranhamento entre duas pessoas maduras, com credos e costumes totalmente distintos, mas ambas como uma perda que as fez tomar decisões que influenciaram as pessoas que os cercam.

É um drama familiar sobre a vida, a morte, as crenças ou ausência delas, contado com inteligência, leveza e naturalidade. Um enredo bom, uma direção segura e atuações convincentes.

Avaliação: ***

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Goob

País: Reino Unido

Ano: 2014

Gênero: Drama

Duração: 86 min

Direção: Guy Myhill

Elenco: Liam Walpole, Sienna Guillory, Sean Harris, Marama Corlett, Hannah Spearritt e Paul Popplewell.

Sinopse: Goob Taylor (Liam Walpole) passou todos seus dezesseis verões ajudando a mãe (Sienna Guillory) a transportar café e colhendo abóboras. A rotina muda quando a matriarca e chefe arruma nova companhia, Gene (Sean Harris), um tatuado campeão de stock-car, com quem o jovem não se dá bem. Mas Gobb não ficará sobrando por muito tempo, pois a exótica Eva (Marama Corlett) surge para atrair sua atenção.

Crítica: a escolha do ator Liam Walpole para viver o personagem Goob é acertadíssima. Ele tem um carisma em cena, um olhar que comove e uma expressão de menino que não sabe que rumo tomar que são, exatamente, a retratação do que Goob vive no momento.

Além do momento difícil da adolescência de descobertas dos sentimentos, ele está dividido entre o amor e a preocupação que têm pela mãe e a vontade de partir para outro lugar.

A história se passa na zona rural da Inglaterra. Com 16 anos, ele ajuda a mãe na plantação de abóboras, que também tem um restaurante. Mas sofre com o comportamento agressivo, violento, manipulador e opressor do padrasto, o que se torna ainda pior depois do acidente de carro em que o seu irmão acaba hospitalizado.

Quando conhece uma menina (nas raras horas de lazer) e recebe a ajuda de um garoto para ajudá-lo na colheita, algo muda nele.

É difícil a saída (a trama até se alonga demais até a tomada dessa decisão), contudo Goob acaba por fazer uma escolha: a busca pela liberdade e por um futuro melhor. Pelo menos, é uma tentativa.

Avaliação: **

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Bone Tomahawk

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Faroeste

Duração: 137 min

Direção: S. Craig Zahler

Elenco: Kurt Russell, Richard Jenkins, Patrick Wilson, Matthew Fox, Lili Simmons, Evan Jonigkeit e David Arquette.

Sinopse: o xerife Hunt (Kurt Russell) é chamado pelo delegado assistente Chicory (Richard Jenkins) para falar com um forasteiro suspeito (David Arquette), que acaba de chegar à cidade de Bright Hope. Como ele tenta escapar, o xerife dá um tiro em sua perna e logo chama a enfermeira Samantha O'Dwyer (Lili Simmons) para tratá-lo. Entretanto, durante a madrugada a delegacia é atacada por uma tribo de índios selvagens, que sequestra Samantha, o prisioneiro e ainda o subdelegado Nick (Evan Jonigkeit). Logo o xerife reúne uma equipe de resgate, formada por Chicory, pelo marido Arthur O'Dwyer (Patrick Wilson) e o conquistador e especialista em armas John Brooder (Matthew Fox). Entretanto, além dos perigos da travessia o quarteto precisa lidar com o fato de que Arthur está seriamente ferido na perna, o que prejudica sua locomoção.

Crítica: a cena de abertura de Bone Tomahawk nos remete a Quentin Tarantino: um homem sendo degolado, com a faca pouco afiada roçando seu pescoço. O momento é angustiante (mesmo sem ser mostrado o exato instante em que é morto) – ouvimos apenas o som do estrangulamento e o sussurro de dor e súplica do homem assassinado.

Mas a comparação com Tarantino para por aqui mesmo. Pois, apesar de ser uma trama que prende a atenção – o que se dá mais pelo mistério envolvido – o conteúdo está longe de ser profundo, a narrativa distante de ser criativa e os diálogos não são tão sarcásticos como os de Tarantino.

O faroeste não é aquele clássico, com muitos tiros e cavalos, mas tem o xerife (vivido por Kurt Russell); o especialista em armas Matthew Fox e seu estranho sotaque; o delegado reserva interpretado pelo sempre surpreendente Richard Jenkins (as melhores falas do filme são dele); o mocinho Patrick Wilson, como o marido desesperado que, por mais que tenha um sério problema numa das pernas, não medirá esforços para salvar a amada do perigo.

Cabe ao quarteto a tarefa de resgatar um prisioneiro, o subdelegado e a enfermeira das garras de uma tribo indígena selvagem. E por aí muitas dificuldades surgirão.

A fotografia ajuda muito na composição da trama, com uma paisagem inóspita. E as atuações são o ponto forte da história, que mesmo não sendo original ou densa, mantém nossos olhos fixos na tela.

Avaliação: ***

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Reza a Lenda

País: Brasil

Ano: 2015

Gênero: Ação

Duração: 87 min

Direção: Homero Olivetto

Elenco: Cauã Reymond, Sophie Charlotte, Luisa Arraes, Humberto Martins, Jesuíta Barbosa e Nanego Lira.

Sinopse: em uma terra sem lei, a sorte favorece apenas os mais fortes e corajosos. Ara (Cauã Reymond), um homem de ação e poucas palavras, é o líder de um bando de motoqueiros armados que acredita em uma antiga lenda capaz de devolver justiça e liberdade ao povo da região. Quando realizam um ousado roubo, acabam despertando a fúria do poderoso Tenório (Humberto Martins). Agora, Tenório vai concentrar todas as suas forças em uma perseguição para destruir o bando de Ara e recuperar aquilo que acredita ser seu por direito. Durante a perseguição, a jovem Laura (Luisa Arraes) é resgatada de um acidente e tem que seguir o bando contra a sua vontade, despertando ciúmes em Severina (Sophie Charlotte), companheira de Ara.

Crítica: “Reza a Lenda” populariza o gênero de ação dentro do cinema nacional. Nesse sentido, é um trabalho bastante competente.

Exemplar na produção cinematográfica, o longa apresenta um cenário apropriado e cenas realistas, de muita ação e com uma edição bem construída, repleta de emoção, intensidade e violência, já a partir da sequência inicial.

Há certas extravagâncias, mas que se enquadram na trama. O que faltou à história foi trabalhar mais os personagens e suas respectivas falas, que trazem muitas frases de efeito, perdendo um pouco da naturalidade. Mas, ainda assim, pode-se afirmar que é um filme interessante.

Avaliação: **

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Joy – O Nome do Sucesso (Joy)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 124 min

Direção: David O. Russell

Elenco: Jennifer Lawrence, Bradley Cooper e Robert De Niro.

Sinopse: criativa desde a infância, Joy Mangano (Jennifer Lawrence) entrou na vida adulta conciliando a jornada de mãe solteira com a de inventora e tanto fez que tornou-se uma das empreendedoras de maior sucesso dos Estados Unidos.

Crítica:

Avaliação: a conferir

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A Quinta Onda (The 5th Wave)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Ficção

Duração: 112 min

Direção: J. Blakeson

Elenco: Chloë Grace Moretz, Nick Robinson e Alex Roe.

Sinopse: no futuro, a Terra começa a sofrer uma série de ataques alienígenas. Na primeira onda de ataques, um pulso eletromagnético retira a eletricidade do planeta. Na segunda onda, um tsnunami gigantesco mata 40% da população. Na terceira onda, os pássaros passam a transmitir um vírus que mata 97% das pessoas que resistiram aos ataques anteriores. Na quarta onda, a adolescente Cassie Sullivan (Chloe Grace Moretz) vai ter que descobrir em quem pode confiar.

Crítica:

Avaliação: a conferir 

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Irmãs (Sisters)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Comédia

Duração: 118 min

Direção: Jason Moore

Elenco: Tina Fey, Amy Poehler e Maya Rudolph.

Sinopse: duas irmãs (Amy Poehler e Tina Fey) na faixa dos trinta anos de idade descobrem que a casa de sua infância será vendida. Elas decidem visitar a propriedade e fazer uma última grande festa antes da venda.

Crítica:

Avaliação: a conferir

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Pai em Dose Dupla (Daddy's Home)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Comédia

Duração:96  min

Direção: Sean Anders

Elenco: Will Ferrell, Mark Wahlberg e Linda Cardellini.

Sinopse: Brad (Will Ferrell) é executivo em uma rádio e se esforça para ser o melhor padrasto possível para os dois filhos de sua namorada, Sarah (Linda Cardellini). Mas eis que Dusty (Mark Wahlberg), o desbocado pai das crianças, reaparece e começa a disputar com ele a atenção e o amor dos pimpolhos.

Crítica:

Avaliação: a conferir

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Steve Jobs

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 122 min

Direção: Danny Boyle

Elenco: Michael Fassbender, Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels, Michael Stuhlbarg, Sarah Snook, Adam Shapiro, Scotty Wood e Katherine Waterston.

Sinopse: três momentos importantes da vida do inventor, empresário e magnata Steve Jobs: os bastidores do lançamento do computador Macintosh, em 1984; da empresa NeXT, doze anos depois e do iPod, no ano de 2001.

Crítica: fazer uma cinebiografia de Steve Jobs não é tarefa fácil. Em 2013, “JOBS’, com Ashton Kutcher vivendo o protagonista, choveram críticas negativas, mas o longa atual, “Steve Jobs”, deixa a desejar, ainda mais porque a expectativa foi grande.

Sabemos que seriam apenas três momentos da sua vida e não uma biografia completa, porém os momentos escolhidos de sua trajetória contam muito pouco sobre o complexo Steve Jobs – perfeccionista, determinado e explosivo.

As atuações estão ótimas, de Fassbender como Jobs, apesar de nenhuma similaridade física; de Winslet como Joanna (seu braço direito por mais de 20 anos e a única que ele ouvia, ainda que não concordasse ou mudasse de ideia após isso); de Stuhlbarg como Andy (um dos principais projetistas do software de sistema do Macintosh); e de Daniels como John Sculley (CEO da Apple; ficou famoso pelos atritos com Steve Jobs na década de 1980 que culminou com o seu afastamento da empresa, em 1985).

Mas detalhes importantes do seu jeito de agir e por que agir daquela forma são mostrados muito superficialmente. Além disso, poderia ter sido retratado um pouco mais da sua contribuição para o mundo moderno. As últimas invenções nem sequer são citadas.

No entanto, apresenta bem a difícil relação com Lisa (que, inclusive dá o nome ao seu primeiro computador), filha que ele demorou muito tempo para reconhecer como tal.

Quem leu a biografia escrita por Walter Isaacson, o mesmo biografo de Einstein e de Benjamin Franklin, sabe que o longa foi conciso e enxuto demais para a complexidade que era a pessoa de Steve Jobs.

Avaliação: ***

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A Garota Dinamarquesa (The Danish Girl)

País: EUA/Reino Unido/Alemanha

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 120 min

Direção: Tom Hooper

Elenco: Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Ben Whishaw, Matthias Schoenaerts e Amber Heard.

Sinopse: cinebiografia de Lili Elbe (Eddie Redmayne), que nasceu Einar Mogens Wegener e foi a primeira pessoa a se submeter a uma cirurgia de mudança de gênero. Em foco o relacionamento amoroso do pintor dinamarquês com Gerda (Alicia Vikander) e sua descoberta como mulher.

Crítica: Em "A garota dinamarquesa", filme dirigido Tom Hooper, o mesmo de “Os Miseráveis” e “O Discurso Do Rei”, o ator inglês vive a transexual Lili Elbe.

A trama busca inspiração na história real do pintor dinamarquês Einar Mogens Wegener (1882-1931), pioneiro da cirurgia de mudança de sexo.

Para se transformar em Lili Elbe, Wegener se submeteu a uma série de operações até então experimentais em Berlim, em 1931. Ela morreu devido à rejeição de órgãos após uma tentativa de transplantar um útero.

A atuação de Redmayne é louvável, mas não melhor do que em “A Teoria de Tudo”, que lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator em 2014. O papel exige muito do ator, sutileza e força ao mesmo tempo, demonstradas nos atos, nos gestos, nas feições e nos trejeitos.

A atriz sueca Alicia Vikander, que interpreta a mulher de Wegener, Gerda, rouba a cena. Não é à toa que ela concorre à premiação do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante de 2015.

A história é tocante e envolve o espectador com a descoberta de Einar e a dura realidade de aceitar e entender o que ocorria com ele. Sua coragem é admirável, ainda mais na época em que viveu isso: 1931. Preconceito e ignorância não faltavam, mas Einar estava decidido e queria ser feliz. Largou sua profissão de pintor, viajou para outros países e procurou vários médicos até se submeter à cirurgia que o tornaria, realmente, o que ele era de verdade.

Avaliação: ***

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13 Minutos (Elser)

País: Alemanha

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 110 min

Direção: Oliver Hirschbiegel

Elenco: Christian Friedel, Katharina Schüttler, Burghart Klaußner e Heinrich Müller

Sinopse: uma biogfrafia de Georg Elser (Christian Friedel), o homem que tentou matar Adolf Hitler. Em 08 de novembro de 1939, Elser implantou uma bomba atrás de um púlpito usado por Hitler, em Munique. Mas o Führer deixou o local mais cedo que o esperado, contrariando o plano que poderia ter evitado a Segunda Guerra Mundial. 

Crítica: o filme, que tem como título original “Elser” – o nome do protagonista, tem uma ótima direção e produção. O diretor é o mesmo de “A Queda, as Últimas Horas de Hitler” (2005). 

A trama biográfica acompanha Georg Elser (Christian Friedel), cujo reconhecimento como um ativista da resistência contra o nazismo levou algumas décadas.

A edição cuidadosa nos leva ao passado e traz ao presente revelando uma triste comparação entre a vida que Elser levava (livre, como ele gostava de dizer) e que tem após 1939, como um prisioneiro dos alemães.

Por um descuido, é preso ao fugir do local onde armou uma bomba para matar Hitler. A bomba, de fato, funciona, e causou um bom estrago, mas o Führer não é atingido por ter saído antes do previsto do evento em que discursava em Munique. Na verdade, Elser acaba matando 8 pessoas do prédio, mas civis.

Intrigados com o efeito da bomba, os alemães o submetem a todo tipo de tortura e interrogatórios. Não podiam acreditar que ele tivesse feito tudo isso só.

Ele era apartidário e via em Hitler o mal da Alemanha. Seu plano, se tivesse dado certo, poderia ter evitado a Segunda Guerra Mundial.

O filme conta como ele conseguiu o material para a bomba, mostra sua vida simplória, seus amores, seus amigos, seus pensamentos. Só não elucida de onde vem seu conhecimento em engenharia, o que é um pequeno deslize, mas não tira o brilho do herói que ele foi e, acima de tudo, um homem íntegro e de valores incontestáveis. 

Sua vida merecia ter sido retratada no cinema há muito tempo e bem que poderia ter sido o filme indicado a concorrer ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro de 2015, ao invés de “O Labirinto de Mentiras”, que tem também uma grande história, mas não tão bem contada como deveria.

Avaliação: ****

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A Grande Aposta (The Big Short)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Biografia

Duração: 130 min

Direção: Adam McKay

Elenco: Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling e Brad Pitt.

Sinopse: Michael Burry (Christian Bale) é o dono de uma empresa de médio porte, que decide investir muito dinheiro do fundo que coordena ao apostar que o sistema imobiliário nos Estados Unidos irá quebrar em breve. Tal decisão gera complicações junto aos investidores, já que nunca antes alguém havia apostado contra o sistema e levado vantagem. Ao saber destes investimentos, o corretor Jared Vennett (Ryan Gosling) percebe a oportunidade e passa a oferecê-la a seus clientes. Um deles é Mark Baum (Steve Carell), o dono de uma corretora que enfrenta problemas pessoais desde que seu irmão se suicidou. Paralelamente, dois iniciantes na Bolsa de Valores percebem que podem ganhar muito dinheiro ao apostar na crise imobiliária e, para tanto, pedem ajuda a um guru de Wall Street, Ben Rickert (Brad Pitt), que vive recluso.

Crítica: baseado no livro escrito por Michael Lewis, “A Jogada do Século”, o longa-metragem inicia alguns meses antes da complexa crise imobiliária ocorrida nos Estados Unidos em 2008 eclodir.

Apesar do fundo dramático e de se basear em fatos duramente reais, a trama foge do didatismo técnico e inova com explicações, exemplos e recursos bem didáticos, usando números, imagens e metáforas para mostrar como se chegou a tal colapso.

O foco está em quatro grupos de investidores, protagonizados por Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling e Brad Pitt (em excelentes performances), cada um com suas peculiaridades, mas com um objetivo comum: lucrar (muito) a partir da destruição do sistema. Tal contrassenso moral é a crítica básica do longa-metragem, apontada diretamente para o capitalismo: se o que importa é lucrar a todo custo, por que não apostar na perda de empregos e na piora de condições de vida da classe mais baixa da sociedade?

É importante ressaltar que, por mais que haja um investimento pesado na tragédia, esta não é provocada pelos "heróis" da trama. O grande mérito da trupe foi saber lidar com a informação, quase imperceptível, de que o sistema estava se tornando insustentável – o que, por outro lado, também não os isenta de torcer descaradamente para que o pior aconteça. Este conflito de consciência até é apresentado por meio dos personagens de Steve Carell (como Mark Baum) e Brad Pitt (Ben Rickert), que em certos momentos lembram das consequências do que está por vir. Ainda assim, isto jamais se torna maior que a busca pelo ganho incessante. No fim das contas, serve mais como um lembrete ao espectador do que está em jogo.

Carell é quem mais aparece em cena. Seu semblante sempre cansado, como se permanentemente carregasse o mundo em suas costas, é a síntese precisa do estado emocional do personagem e do quão absurdo ele vê tudo o que acontece ao seu redor. É o principal crítico interno da corrupção de Wall Street. Foi um dos primeiros a compreender as conexões entre os preços de imóveis valorizados artificialmente, as práticas fraudulentas de empréstimo e o tamanho do envolvimento dos bancos com o esquema.

Christian Bale (Michael Burry) também brilha, com seus cacoetes de personagem desajustado socialmente. É o primeiro a enxergar o tamanho da bolha e a provável derrocada de instituições financeiras tidas como sólidas.

Ryan Gosling (Jared Vennett) aparece, a princípio, como narrador dos fatos e conversando com o público, até entrar no círculo de vez. Ele interpreta um funcionário do Deutsche Bank, inspirado no hoje bilionário e pioneiro em apostar no desmoronar da economia americana, Greg Lippman. A ganância desmedida ganha proporções cada vez maiores, impulsionada também pelas denúncias de manipulação e fraude de todo o sistema econômico norte-americano. É o capitalismo selvagem.

“A Grande Aposta” não é primeiro filme a tratar da pior recessão global desde a crise de 1929 (assunto já contemplado em “O Lobo de Wall Street”, “Margin Call – o Dia Antes do Fim”; e no documentário “Trabalho Interno”, premiado com o Oscar), mas diferencia-se por investigar detalhadamente os anos imediatamente anteriores à bolha que explodiu em 2007; e pelo tratamento dados aos protagonistas. O deboche, as piadas e o sarcasmo também ajudam a narrativa a fluir e, de fato, cutucar o espectador.

Os letreiros que sobem na tela, ao final, referindo-se à quantidade de desempregados, inadimplentes e dívidas americanas, são bastante incômodos.

Avaliação: ****

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A Segunda Esposa (Kuma)

País: Áustria

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: min

Direção: Umut Dag

Elenco: Begüm Akkaya, Vedat Erincin e Nihal Koldaş.

Sinopse: Mustafa, um imigrante turco, mora em Viena com Fatma e seus seis filhos. Esta família tradicional escolhe Ayse, uma jovem de 19 anos, para se casar com um de seus filhos, mas quando ela chega no local, a realidade é outra: Ayse será a segunda esposa de Mustafa. Apesar da surpresa no início, nasce uma relação de amizade e cumplicidade entre essas duas esposas de gerações diferentes, principalmente quando a mais nova descobre que Fatma está doente, e tem seus dias contados.

Crítica: num casamento tradicional muçulmano, uma jovem garota turca está perdida entre dezenas de convidados, incapaz de identificar o futuro marido na multidão. Os noivos não se conhecem, olham-se com estranheza, deixando claro o desconforto das duas partes. A cena deixa, claro, que se trata de um casamento forçado, e retrata as regras morais e religiosas impostas às sociedades islâmicas tradicionais.

Até aqui, nenhuma novidade. É quando o filme traz uma surpresa: a jovem Ayse (Begüm Akkaya) descobre que não será a esposa do rapaz com quem se casa, e sim do pai dele. Ela foi escolhida secretamente como segunda esposa para cuidar dos filhos e dos afazeres domésticos, caso a primeira esposa (Nihal Koldas), enferma, venha a falecer. Obviamente, sofre a rejeição dos filhos do primeiro casamento. Sua família está longe e, na nova casa, sente-se uma estranha.

O filme lança críticas sobre a função doméstica atribuída às mulheres, e aos poderes abusivos entregues aos homens nas sociedades patriarcais. Desenvolve-se bem até uma fatalidade não esperada ocorrer, que levará Ayse a procurar um emprego para ajudar a família financeiramente.

Daí por diante, bastante confusão, segredos de sexualidades reprimidas são revelados, violência doméstica, amores não correspondidos e outras mazelas. Chora-se muito, grita-se muito, parte-se para a agressão.

Nesse ponto, o diretor perde o foco e o discurso crítico e político já não é tão percebido e o que se passa a ver é um melodrama com direito à jovem princesa sonhadora, às irmãs malvadas e à madrasta perversa. Uma boa cena é a do filho (Murathan Muslu) com Ayse, ao revelar seu segredo.

O final, apesar de dar um ar de conformismo e parecer que o que é importante mesmo é a família em detrimento do indivíduo, tem um significado bastante simbólico.

Avaliação: ***

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Creed: Nascido para Lutar (Creed)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 133 min

Direção: Ryan Coogler

Elenco: Michael B. Jordan, Sylvester Stallone, Isaac Liev Schreiber, Wood Harris e Will Blagrove.

Sinopse: Adonis Johnson (Michael B. Jordan) nunca conheceu o pai, Apollo Creed, que faleceu antes de seu nascimento. Ainda assim, a luta está em seu sangue e ele decide entrar no mundo das competições profissionais de boxe. Após muito insistir, Adonis consegue convencer Rocky Balboa (Sylvester Stallone) a ser seu treinador e, enquanto um luta pela glória, o outro luta pela vida.

Crítica:

Avaliação: a conferir

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O Segredo das Águas (Futatsume no Mado)

País: França/Japão/Espanha

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 120 min

Direção: Naomi Kawase

Elenco: Nijirô Murakami, Jun Yoshinaga e Miyuki Matsuda.

Sinopse: a história acontece na ilha japonesa de Amami Oshima. Uma noite, Kaito (Nijirô Murakami) descobre um cadáver flutuando no mar. Sua namorada Kyoko (Jun Yoshinaga) vai tentar ajudá-lo a entender essa misteriosa descoberta. Os jovens, de apenas 16 anos, vão tentar entender a natureza cíclica da vida, amor e morte.

Crítica: o filme aborda a dor da perda, seja pela morte, pela distância ou ausência de alguém, e o amadurecimento para a vida adulta, vivendo a vida da melhor forma possível. No caso de Kyoko, o sofrimento notável é pela não aceitação da doença da mãe. Já Kaito sofre com o divórcio dos pais e com o fato de ter que aceitar que ambos vivem outros amores. Isso interfere na sua relação afetiva com Kyoko.

Em meio a isso, um corpo aparece morto na praia que, depois, descobrimos ser do amante a mãe de Kaito.

O filme tem uma fotografia belíssima da ilha japonesa Amami Oshina e cenas belas, como Kyoko, seu pai e amigos cantam e dançam para a mãe de Kyoko pouco antes dela morrer.

As atuações são naturais, o que é um dos pontos positivos do longa. Mas o ritmo lento requer paciência e contemplação por parte do espectador.

Avaliação: **

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O Bom Dinossauro (The Good Dinosaur)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Animação

Duração: 100 min

Direção: Peter Sohn

Elenco: Lucas Neff, Neil Patrick Harris e Frances McDormand.

Sinopse: e se o asteroide que mudou para sempre a vida na Terra não tivesse atingido o planeta e os dinossauros nunca tivessem sido extintos, como seria a relação entre dinossauros e humanos? A Pixar leva você para uma aventura nada jurássica, onde a dupla de amigos improváveis, Arlo e Spot, irá vivenciar uma historia de ação e humor.

Crítica:

Avaliação: a conferir

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Snoopy e Charlie Brown – Peanuts – O Filme (The Peanuts Movie)

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Animação

Duração: 88 min

Direção: Steve Martino

Elenco: Steve Martino

Sinopse: a animação é baseada nos quadrinhos do cartunista norte-americano Charles M. Schultz. A série, conhecida no Brasil como Minduim, acompanha as aventuras de Charlie Brown, Snoopy e sua turma.

Crítica:

Avaliação: a conferir

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Norte, o Fim da História (Norte, Hangganan Ng Kasaysayan)

País: Filipinas

Ano: 2013

Gênero: Drama

Duração: 260 min

Direção: Lav Diaz

Elenco: Sid Lucero, Archie Alemania e Angeli Bayani.

Sinopse: algumas histórias se cruzam: uma mãe leva os seus dois filhos pelo interior das Filipinas, em busca de vingança, um estudante de direito comete um duplo assassinato e um homem de família cede à violência e é condenado à prisão.

Crítica:

Avaliação: a conferir

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Carol

País: Reino Unido/EUA

Ano: 2015

Gênero: Drama

Duração: 118 min

Direção: Todd Haynes

Elenco: Cate Blanchett, Rooney Mara, Kyle Chandler, Sarah Paulson, John Magaro e Carrie Brownstein.

Sinopse: a jovem Therese Belivet tem um emprego entediante. Um dia, ela conhece a elegante Carol Aird, que está se divorciando e também não está contente com a sua vida. As duas se aproximam cada vez mais e, quando o marido a impede de passar o Natal com a filha, Carol convida Therese a fazer uma viagem pelos Estados Unidos.

Baseado no best-seller de Patricia Highsmith. Funcionária de uma loja de departamento se apaixona por uma mulher recém-divorciada e mais velha. Para fugir aos olhares dos moradores locais, Therese e Carol decidem fazer uma viagem pelos Estados Unidos, mas percebem que um detetive está seguindo seus passos.

Crítica: o filme é baseado no livro ‘The Price of Salt‘, originalmente publicado em 1952. Todd Haynes fez um trabalho elegante, contando uma bela história de amor. Sutileza e cuidados aos detalhes não faltaram. A trilha sonora, a fotografia, o figurino, tudo transporta o espectador para a Nova York dos anos 50, época repleta de tabus e ignorância no tocante ao homossexualismo, tratado então como uma doença.

Tudo se passa sem pressa. A aproximação, os olhares, os toques, até que decidem fazer uma viagem juntas.

Carol (Cate Blanchett) será ameaçada de perder a guarda da filha e terá que fazer uma escolha. O filme é belo, ainda mais por mostrar a dificuldade de as pessoas entenderem que há diferentes formas de amor. 

As atrizes esbanjam talento em cena. O papel de Rooney Mara é excepcionalmente mais difícil. A sua personagem é frágil, ingênua e se deslumbra com a mulher que Carol é. E descobrir um amor tão forte assim e inesperado é algo novo para ela, que inclusive estava noiva.

Outro grande destaque no elenco é Sarah Paulson, no papel de Abby, ex-amante de Carol.

Os diálogos são inteligentes e o final é comovente.

Avaliação: ***

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Os 8 Odiados

País: EUA

Ano: 2015

Gênero: Faroeste

Duração: 182 min

Direção: Quentin Tarantino

Elenco: Belinda Owino, Bruce Del Castillo, Bruce Dern, Channing Tatum, Craig Stark, Dana Gourrier, Demián Bichir, Gene Jones, James Parks, Jennifer Jason Leigh, Keith Jefferson, Kurt Russell, Lee Horsley, Michael Madsen, Samuel L. Jackson, Tim Roth, Walton Goggins e Zoe Bell.

Sinopse: em Wyoming, Estados Unidos, após a Guerra Civil norte-americana (1865), um grupo de caçadores de recompensa transporta uma perigosa prisioneira, mas são surpreendidos por uma nevasca e precisam então parar em uma estalagem na estrada: o Armazém da Minnie. Isolados e obrigados a conviver por mais tempo do que gostariam, o grupo acaba se envolvendo em uma trama de traição, desilusão e ódio.

Crítica: o oitavo filme de Tarantino é uma mistura de faroeste e suspense, com muito humor negro e violência, como de costume.

Ambientado praticamente todo em uma única sala, o Armazém da Minnie, a trama acompanha oito estranhos, com intenções desconhecidas, isolados devido a uma nevasca.

Os personagens são fortes e bem desenvolvidos (ótimas performances, com exceção de Tim Roth, que parecia imitar o personagem do coronel Hans Landa, de “Bastados Inglórios”; melhor seria ter criado um estilo próprio) e a cenografia (detalhes e ângulos diferentes) e a fotografia (belas paisagens nevadas) inspiradas completam o excelente nível do roteiro, ainda que seja longo (são quase três horas de duração).

Tudo começa com dois caçadores de recompensa – Major Marquis Warren (Samuel L. Jackson) e John Ruth (Kurt Russell), que acabam compartilhando uma carruagem enquanto John Ruth escolta a prisioneira Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh, com uma participação marcada pelo sarcasmo) para a cidade de Red Rock, onde ela será enforcada por assassinato.

Conforme a nevasca piora, eles procuram abrigo na estalagem citada acima, a única opção na estrada onde se encontram, e lá conhecem os outros homens da trama. A tensão cresce a cada conversa e a desconfiança toma conta do local.

Todos os personagens são questionáveis e não sabemos o que esperar. Os diálogos são inteligentes, e têm como tema principal as relações raciais nos Estados Unidos pós-guerra civil, sem deixar de explorar questões bastante contemporâneas.

Warren (Jackson, mais uma vez sublime no papel), único personagem negro da trama, é um veterano da Guerra Civil que carrega uma carta de Abraham Lincoln, seu amigo, no bolso como forma de status. Ele é durão e centro das tensões iniciais, afinal a maioria dos outros personagens são racistas ou veteranos do exército confederado, que defendia a escravidão nos EUA. Quando Warren começa a desconfiar das atitudes das outras pessoas presas com ele, passa a investigá-los e o racismo se torna cada vez mais central para a trama.

A trilha tensa e assustadora (criada exclusivamente para o longa) de Ennio Morricone, que é um dos maiores compositores para filmes de faroeste, contribui para aumentar o suspense.

A trama é intensa e contempla as relações raciais e a natureza humana de forma brutal e violenta. Se assim não fosse, não seria Tarantino. Mais um memorável filme em sua carreira que está perto do fim. Afinal, o diretor já declarou à imprensa que se aposentará após o seu décimo trabalho. Esse foi o oitavo.

Avaliação: ****

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